La Fiebre de la Vida; La Génesis Efervescente de la Realidad

”SALÍAN DE LA SALA MARAVILLADOS CON ESAS
PELÍCULAS, PERO MÁS MARAVILLADOS CON LA SECRETA
ESPERANZA DE PODER VIVIRLAS”                                                                                                                     “LAS COSAS”
                                                                                                                             G. PEREC





Cuando por fin sucede el rodaje de una película, la aplicación digamos de todo lo que significó la preproducción, la elaboración de un guión, la perspectiva y elección de los actores, todo el imaginario mental sobre el movimiento de los personajes dentro de un espacio inexistente o mejor sobre un espacio que se está creando en el momento de comenzar a filmar, surgen casi siempre conflictos que más allá de los recurrentes problemas de producción (agravados a veces por productores incompetentes) atizan al director. Preguntas del tipo ¿qué espacio es el que quiero crear? ¿Cuánto de realidad voy a introducir en mi película? ¿Cuál es el conflicto de la vida dentro del film? ¿Está presente la vida, la realidad o la verdad? En mi opinión cada rodaje más allá de un número en la lista de los rodajes “sobrevividos”, como si cada uno fuese una especie de guerra o duelo más tortuoso que enriquecedor. Cada rodaje debe ser un descubrimiento. El espacio donde la película está siendo y en donde se descubre una multiplicidad de realidades que plantean un mundo nuevo o la modificación de este mundo en torno a mi personalidad y perspectiva sobre la película o el funcionamiento de rodaje o postura ante la creación. No obstante el descubrimiento tampoco debe ser unívoco no puede apuntar ingenuamente al cine, como si este estuviese escindido de la vida y de la realidad. El descubrimiento esa especie de alumbramiento debe ser moral, religioso, sobre la vida, sobre la virtus de la cotidianeidad y la imaginería que finalmente son lo mismo. Se debe reflexionar sobre lo religioso del mundo circundante y en específico sobre el amor poético aplicado los medios de transporte colectivos, a las mesas a la hora del almuerzo, etc.



Es en torno a esos mismos descubrimientos desde donde se plantea este ensayo o ejercicio reflexivo sobre el rodaje de El Viaje Silente.



La locación elegida para filmar este cortometraje, fue la playa “La Boca” de Con-Cón una playa horrible y agreste en donde el lugar de rodaje se encontraba a varios cientos de metros al interior de la playa y en donde había que cambiar el set constantemente por un fondo que le quitaba la continuidad de espacio, la dimensión de espacio real al desenvolvimiento de Ana, Gonzalo e Isabel, los héroes del film. Eso fue sin duda esencial; los espacios. En los lugares en los cuales se desenvuelven son parte esencial de sus vidas y de la construcción de esas mismas vidas y como estas existencias continúan y van más allá de la película. No puede plantearse ridículamente que Ana, Gonzalo e Isabel nacen en la película y ahí mueren. La verdad mi idea es que ellos siguen viviendo en un espacio real pero imposible, metafísico y que continúa en el film y como el corto es una estampa de ese tiempo que están viviendo. Como digo al comienzo se plantea uno de los tantos conflictos del director y que hace relación con las características de la locación. ¿Cuál el sistema para poder abordar un rodaje complicado en donde lo que se propone es algo tan complejo como construir una realidad algo cercana quizás a un recuerdo inventado ? Mi respuesta es sencilla y la descubrí lamentablemente al terminar el rodaje: La Fiebre. Antes me parecía que el planteamiento al momento de abordar un rodaje debe ser uno silencioso y respetuoso, en donde el trabajo se desenvuelva con normalidad y lo práctico prime; lo racional. Un funcionamiento útil en alto grado pero carente de alma, en mi opinión. El cine al plantearse como funcionamiento debe estar imbuido de esa fiebre que permite que la película se transforme en una enfermedad del creador y en potenciar un espacio creativo fuerte en el cual se pueda desempeñar un delirio creativo y comenzar a vivir la película junto con los personajes como lo hiciera Fellini. Por lo tanto lo único aparentmente plausible al momento de enfrentarse a un rodaje que podría calificarse de “extremo” (El Asistente de Dirección me dijo no podí tenernos todo el día bajo el sol poh hueón). Abundaban los paños para cubrirse la cara y los gorros con viseras cubiertas por otros a su vez calurosos gorros para cubrirse del sol, sobraban los pantalones cortos y poleras “refrescantes”. Preferíamos pantalones largos y polerones gruesos que no dejaran pasar el sol. Es esa una primera concepción La Fiebre.



El trabajo con los actores lamentablemente, o tal vez afortunadamente, no pudo ser tan arduo como pensaba. Problemas de producción centralmente, nos impidieron realizar ensayos confortables más allá de meras lecturas del texto. Inclusive tuve tan sólo dos reuniones con los actores y leímos el texto dos veces con Cristian el actor a quien encontramos en la calle, El Asistente Carlos Pino y yo y con la Carolina tan sólo una vez. En dichas lecturas, sin la posibilidad de saber los movimientos a utilizar (Cristián me dijo ustedes están jugando al Loto conmigo. Yo podría perfectamente actuar absolutamente mal), descubría que existía otra realidad, paralela o superpuesta a la de la actuación y que es la de la persona. El estilo de John Cassavetes de hacer a los actores representarse a ellos mismos, en este caso tuvo más sentido para mí en trabajar con los adultos que con la niña que fue otro estilo y sistema absolutamente. Ellos funcionaba absolutamente como ellos mismos. Cristian me preguntaba ¿y como represento cuando tengo que retar a la niña? Yo respondía Como cuando retas a tus hijos, pero teniendo en cuenta que la vienes recién conociendo, etc. Ocurría lo mismo exactamente con la Carolina quien completaba mis indicaciones con ideas propias y posturas propias, además caí en el hermoso error de crear algunos diálogos segundos antes de rodar y era verdaderamente enriquecedor crear desde nuestras propias personalidades, yo como director y persona por sobre todo y quien ha presenciado varias sutiles peleas de parejas (de eso se trataba el diálogo a componer), Carolina como actriz y mujer viviendo hace años con un hombre de una profesión muy distinta a la actuación y Cristián desde su vida de hombre errante y desordenado quien un día decidió dejar la oficina de arquitectura en donde trabajaba y ganaba bien por seguir su camino.



Siempre se ha planteado que el trabajar con niños no es difícil si se es riguroso. Desde El Ladrón de Bicicletas a Machuca. En mi caso la clave fue el respeto y la ternura. Ayleen, la niñita que escogimos de un casting en su colegio dio en el punto de la actuación siempre y dejándola libre, dejándola ser sencillamente y trabajar en cine parecía no impresionarle. Parecía más bien aburrirse a veces pero bastaba que se fuera a filmar para que entrara en escena y funcionara como una artista de circo quien ejecuta su papel no bien pisa la pista y luego de salir desaparece dicho personaje.



Concluyendo, el cine por más que sea planteado con un guión espeso, duro o lo que sea no puede ser ajeno a la fiebre de la vida a la efervescencia de la realidad; del espectáculo de la incesante sucesión de las vidas de las personas, sus devenires y sus proyectos. Su vida en conclusión y es el rodaje para plasmar esa esencia esa efigie de la verdad o realidad. El montaje es otra rama de la creación de la génesis pero eso es parte de otro discurso; de otro tiempo.



Omar Zeballos H.